Muzz – Muzz

Muzz – Muzz (Matador/Beggars)

De laatste Interpol dateert van 2018 en in de tussentijd is zanger/gitarist Paul Banks mogelijk aan de gang geweest met een nieuwe plaat. Wie zal het zeggen? Wanneer er een nummer aan je brein ontspruit, houd je dat niet tegen. Binnen nu en twee jaar zal er ongetwijfeld een nieuwe Interpol verschijnen. In de tussentijd houdt Banks zich bezig met hobbyproject Muzz, dat debuteert met een gelijknamig album, waarop een twaalftal songs staat dat onwillekeurig doet denken aan Interpol. Dat heeft vooral te maken met het charismatische stemgeluid van Banks, dat ook op de muziek van Interpol een zwaar stempel drukt.

Muzz bestaat naast Banks uit Josh Kaufman (producer, multi-instrumentalist en lid van Bonny Light Horseman) en Matt Barrick, drummer van Jonathan Fire*Eater, The Walkman en Fleet Foxes (wanneer ze live acte de présence geven). Hoewel Muzz’ sound zonder twijfel enigszins aan die van Interpol doet denken hebben we wel degelijk te maken met een nieuwe ‘supergroep’ – om dat woord er toch maar even in te gooien. Want het zijn naast Banks geen kleine jongens waar we mee te maken hebben.

Kaufman en Banks kennen elkaar al sinds hun puberteit. Vrienden voor het leven. Van wie je misschien al eerder een samenwerking had kunnen verwachten. Nu is die er dan en met songschrijver nummer drie Matt Barrick erbij is iets heel moois ontstaan. Ze schreven de nummers samen.

Hoewel de geest van Interpol dus steevast rondwaart is Muzz vooral Muzz. Evergreen is een wat psychedelisch nummer waarin Kaufman zich duidelijk uitleeft op zijn palet aan elektronica. Red Western Sky is americana zoals we die het liefst horen; uptempo en met een mooie rol voor de tenorsaxofoon van Stuart Bogie en het niet te versmaden brasskwartet The Westerlies, dat ook werd ingevlogen voor Muzz. Bogie is vaker aanwezig op de plaat, met klarinet (Patchouli) en klarinet en fluit (Broken Tambourine, waarin de jaren 70 wat nagalmen, zoals dat wel vaker gebeurt. Everything Like It Used To Be, wat prachtig is, had ook in dat decennium geschreven kunnen zijn.

Muzz is een album dat geen miskleun kent en dat is iets wat we toch wel vaak horen op een plaat met twaalf nummers. Het is allemaal heel erg raak en enkele songs, waaronder het opwindende How Many Days, schreeuwen werkelijk om de repeatknop. Banks leeft zich uit op zijn gitaar en Interpol is plots nóg dichterbij dan ooit. En nochtans is Muzz vooral Muzz. Pieter Visscher

MAITA – Someone’s Lost Their Goddamn Wallet

Maria Maita-Keppeler is de spil van MAITA, een band uit Portland Oregon die net zijn eerste album heeft uitgeworpen. Het label is Kill Rock Stars, dat enige faam geniet als lanceerbasis voor Elliot Smith, Sleater-Kinney en The Decemberists.

Aan titels als I’m Afraid Of Everything, Can’t Blame A Kid en niet op de laatste plaats Someone’s Lost Their Goddamn Wallet kan je zien dat teksten belangrijk zijn en dat nogal van persoonlijke aard. Uit het leven van Maita gegrepen zeg maar.

De band rockt bescheiden, doch indringend. Maita zingt makkelijk en heeft een prettige stem. De toegevoegde waarde aan Someone’s Lost Their Goddamn Wallet is de klaterende gitaarriff. Dit lied over vergankelijkheid staat samen met nog tien andere levenswijze nummers op MAITA‘s debuutalbum, Best Wishes.

The Howl & The Hum – Hostages

The Howl & The Hum have released e their brilliant debut album ‘Human Contact’ via AWAL.

“Human Contact” is full of songs drawn from across the emotional spectrum, where wonderful lyrics and ambitious songwriting combine with both musical restraint and epic, horizon-sized choruses to create a wonderful debut record. It has been produced by Jolyon Thomas (Royal Blood, Slaves, U2) and recorded at Big Jelly Studios in Kent.

On the album frontman Sam Griffiths says:

“Human Contact” is about a very modern kind of loneliness: one in which we are reminded of intimate moments which haunt us, via technology or through isolation. This album is both a breakup record and a love letter to memory, and the fading definition of human contact itself.”

“Recorded in September 2019, this album was written before society fell into a period of self-isolation, which goes to show the importance of Human Contact in a digital age.”

“Hostages” is one of the many highlights taken from “Human Contact”, with some of frontman Sam Griffiths most affecting lyrics, married to an expansive musical backdrop, creating a pure emotional rush.

Sam talks about the song and the video:

“This song felt very visual to us: the handing back of possessions after a breakup, the detachment from objects. Luckily, The Roosens had the idea to combine the ideas of social distancing with the breakup within the song. It was filmed in Belgium as the lockdown eased, but shows the attachment to objects in the lyrics, and the splitting of a whole into separate parts, and has two beautiful performances at its heart.”

The Howl & The Hum have been tipped by Wonderland, DIY, The Line of Best Fit, Clash, Music Week and more, as well as at radio by Huw Stephens, Annie Mac, Tom Robinson and John Kennedy.

Hailing form York, The Howl & The Hum have been on the rise over the last two years. The band have accumulated over 10 million streams on Spotify alone, and this album is set to crystallise their early potential.

The Howl & The Hum have announced their rescheduled tour dates. An essential live act, the band have appeared at The Great Escape and SXSW, as well as selling-out The Scala in London.

Tour dates:

Thu 28 Jan 2021        Paradiso, Amsterdam

Fri 12 Feb 2021           The Joiners, Southampton

Sat 13 Feb 2021          The Sugarmill, Stoke-on-Trent

Sun 14 Feb 2021         The Exchange, Bristol

Mon 15 Feb 2021       Clwb Ifor Bach, Cardiff

Wed 17 Feb 2021       Stereo, Glasgow

Thu 18 Feb 2021         Gorilla, Manchester

Fri 19 Feb 2021           Islington Assembly Hall, London

Sat 20 Feb 2021          Jericho Tavern, Oxford

Mon 22 Feb 2021       The Hope & Ruin, Brighton

Tue 23 Feb 2021         Rescue Rooms, Nottingham

Thu 25 Feb 2021         The Hare & Hounds, Birmingham

Fri 26 Feb 2021           Brudenell Social Club, Leeds

Cloud Mind – Choker

In Leeuwarden en omstreken kennen ze Abel de Grefte als voormalig voorman van The Futures’s Dust en huidig leidinggevende van Woe Blind Birds. Grote kans dat de rest van Nederlands de Fries binnenkort leert kennen als de man achter Cloud Mind, een solo avontuur dat Abel is aangegaan als uitlaatklep voor de songs die in hem opborrelen, maar net even te persoonlijk zijn voor de band.

Het klinkt harder dan bedoeld, maar Abel heeft niemand anders nodig om zijn muziek uit te voeren. En ook geen studio om zijn songs op te nemen. Dat doet hij gewoon thuis. Choker is een superieur stukje thuisvlijt, een op momenten spooky fluisterlied, met zacht gillende gitaren en omfloerste drum. Het volume blijft beperkt, maar de spanning is er niet minder om.

Dit najaar volgt een EP, Orchid is de titel. Laten we hopen dat Abel tegen die tijd weer kan optreden, solo en met band.

Fantastic Negrito – Chocolate Samurai

2x GRAMMY® Award-winner Fantastic Negrito has announced the release of his anticipated new album. HAVE YOU LOST YOUR MIND YET? arrives everywhere via Cooking Vinyl/Blackball Universe on Friday, August 14. The album is available for pre-order now, with all pre-orders joined by instant grat downloads of “How Long,” as well as the current single rising up the radio charts, “Chocolate Samurai,” which Fantastic Negrito will perform today on CBS’s The Late Show with Stephen Colbert #PlayAtHome series, posting at 3pm ET.

In early April, Fantastic Negrito released a remarkable crowd-sourced video for “Chocolate Samurai,” featuring at-home footage contributed by fans during the early days of the COVID-19 pandemic in America. The clip is streaming now at Fantastic Negrito’s official YouTube channel. The clip was met by immediate critical applause upon its premiere, with Consequence of Sound writing, “As an artist long admired for his live performances, not being able to connect with fans right now must be extra difficult for Fantastic Negrito. The blues rocker is still finding ways to reach out, however, via the power of technology. For the video for his new single ‘Chocolate Samurai,’ Fantastic Negrito started a worldwide sing-along that brought together all his fans in self-isolation.”

HAVE YOU LOST YOUR MIND YET? marks Fantastic Negrito’s most far-reaching work thus far, fusing elements of hip-hop, R&B, funk, soul, and rock ‘n roll into an incendiary synthesis all his own. Inspired by and reminiscent of the socio-political albums coming from black America in the late 1960s and into the 70s, the album sees Negrito exploring the struggle and complexities of mental health issues while continuing his long running lyrical examination of America’s increasingly broken social and political state of affairs.

Though known far and wide as a gifted bluesman, Negrito shows off his extraordinary musical versatility on tracks like “How Long” and the wildly inventive “Searching for Captain Save a Hoe (Feat. E-40),” a thought-provoking modern reinvention of the legendary Bay Area rapper’s 1993 classic, “Captain Save A Hoe.” Additional highlights include “I’m So Happy I Cry,” featuring powerhouse vocals from Tarriona “Tank” Ball of New Orleans’ Tank and the Bangas – a historic moment marking the first-ever collaborative recording by two previous winners of NPR’s influential Tiny Desk Concert contest. As urgent, desperate, and volatile as the times we live in, HAVE YOU LOST YOUR MIND YET? more than affirms Fantastic Negrito as one of American music’s most vital and provocative artists, no matter the genre, of this or any era.

“On the first two albums I wrote about broad topics,” Fantastic Negrito says. “The proliferations of gun violence, the evil NRA, gentrification and homelessness, pharmaceutical companies that prey upon the people. On this album I wanted to write about people I knew, people I grew up with, people whose lives I could personally affect, and whose lives have impacted me. It was the hardest album I’ve ever written.

“What do I want to say to these people, and to the world? If I had the chance, I would tell them the pain they are feeling, the darkness they are going through is temporary – especially if you consider the span of a human life. I would tell them we can’t fight these obstacles alone. We need each other. Get offline. Talk to people. I would tell them I am here for you. We can’t hide from the pain. We need to look right at it. To really look into someone’s eyes is to feel their power and their vulnerability, to feel humanity, and to feel love.”

Fantastic Negrito – a.k.a. Bay Area-based singer-songwriter Xavier Dphrepaulezz – currently with 80 million career streams worldwide, is truly an artist for these times, a multi-talented, genre-agnostic original whose life and work embody the struggle, energy, truth, and creativity of black music. Though his music – like so much of American music – was born of the blues, Negrito has created something altogether new and unique, building bridges to the 21st century by weaving the original sounds of Lead Belly and Skip James with loops and samples of his own live instruments. He began his musical journey by busking his powerfully personal songs around his beloved hometown of Oakland, soon followed by increasingly packed shows with a proper band. In 2015, Negrito won NPR’s inaugural Tiny Desk Concert contest, triumphing over 7,000 other entrants.

Released in 2016, THE LAST DAYS OF OAKLAND proved a milestone debut for Fantastic Negrito, earning both the GRAMMY® Award for “Best Contemporary Blues Album” as well as critical praise from around the globe. Fantastic Negrito “infuses THE LAST DAYS OF OAKLAND with slide guitar drenched in overdrive, not to mention a hard-bitten perspective on life, love, art, commerce, class and society. It’s an outlook he’s earned,” wrote NPR Music, adding, “THE LAST DAYS OF OAKLAND is among the rawest pieces of music — sonically and emotionally — you’ll hear all year. But it’s also the work of a craftsman, full of subtlety and sophistication, along with the kind of scars that only a survivor can flaunt.” “THE LAST DAYS OF OAKLAND is blues, but reconfigured as a scream of rage rather than sadness,” raved The Guardian. “But it’s never an overbearing or miserable album; Fantastic Negrito wants answers, but he wants you to ask the questions, too.” “Interspersed with vox-pop musings on matters like police shootings,” wrote The Independent, “THE LAST DAYS OF OAKLAND is a state-of-the-nation address akin to Sky Stone’s THERE’S A RIOT GOIN’ ON.” “A major work of stunning breadth and originality,” declared Classic Rock, “heralding a talent who shines a blinding white light in the post-Prince darkness,” noting that the “bluesy roots masterwork” is “the kind of conscious milestone little seen this century.”

PLEASE DON’T BE DEAD arrived two years later, once again earning the GRAMMY® Award for “Best Contemporary Blues Album.” Indeed, the LP was hailed among the most important releases in recent memory, with The New York Times’ Jon Pareles declaring it “a cranked-up, slow-grinding attack on addiction and consumerism.” “Negrito puts himself in the middle of the fray with PLEASE DON’T BE DEAD,” wrote the Associated Press, “and offers his songs for the soundtrack of the lives of those who won’t give up and are willing to carry on.” Perhaps Entertainment Weekly said it best: “When you’ve been a small-time drug hustler, experienced a brush with death, a false start as a major label artist, and life as a busker, you’re well-positioned to sing the blues – as Fantastic Negrito does on his incendiary, consciousness-raising new album.”

Fantastic Negrito followed both album releases with truly epic world touring, highlighted by sold out headline dates, spotlight-stealing festival performances at such legendary gatherings as the UK’s Glastonbury, Chicago, IL’s Lollapalooza, and Atlanta, GA’s AFROPUNK, and shows alongside Sting, Sturgill Simpson, Solange, Chris Cornell and others. As if that weren’t enough, Fantastic Negrito has offered spectacular full-band performances on both CBS This Morning: Saturday Sessions  and ABC’s Jimmy Kimmel Live!

Lucy Rose – Question It All

Van de vele singer-songwriters die Joni Mitchell als heilig beschouwen is Lucy Rose een van de meest getalenteerde. En productieve. De Britse Lucy Rose Parton is alweer toe aan haar vijfde album. Haar zevende als je een live en een remix album meetelt.

De albums zijn ook opvallend gevarieerd. Lucy speelt afwisselend piano, gitaar, solo, met kleine of iets grotere band. Question It All begint met een zingende bas en doet om die reden denken aan de platen die Joni Mitchell maakte met Jaco Pastorius. Het gaat hier echter om inspiratie en niet om imitatie. Question It All is een luxueuze ballad vol mooie details, door de schrijfster gezongen met een stem die zowel teder als trefzeker is.

Singer-songwriters hebben een voordeel ten opzichte van de meeste bands. Hoe ouder ze worden hoe beter ze klinken. Zeker als ze zoals Lucy Rose het experiment niet uit de weg gaan.

Baby Queen – Internet Religion

Baby Queen is het muzikale project van de Zuid-Afrikaanse/Britse singer-songwriter Bella Latham.

Met het betere indiepop/soft grunge werk, wist ze al gauw de aandacht van ’s werelds grootste platenlabel te trekken.

Afgelopen vrijdag verscheen haar debuutsingle Internet Religion. Een liedje waarin elektronica en gitaren door elkaar heen lopen en een aanstekelijk refrein bevat dat al gauw in je hoofd gaat zitten.

In Internet Religion zingt Baby Queen over het feit dat het zo gemakkelijk is om je op internet voor te doen als een betere versie van jezelf en dat andere mensen je daardoor nog leuk gaan vinden ook.

Internet Religion van Baby Queen hoor je nieuw op Pinguin Pop!

Remo Drive – Ode To Joy 2

Erik an Stephen Paulson van Remo Drive kennen hun klassiekers, Ode To Joy is de Engelse benaming voor het bekendste deel van Beethoven’s Negende, ‘Alle Menschen Werden Bruder’.

Behalve de titel Ode To Joy, die ze om verwarring te voorkomen hebben voorzien van een 2 hebben de song van Remo Drive en het opus van Ludwig weinig met elkaar gemeen. Beethoven’s Ode An Die Freude is een eerbetoon aan de mensheid, die van Remo Drive gaat over bovenmatig drank en drugsgebruik.

Zanger Erik Paulson baalt er van dat zijn vrienden bijna altijd in een roes verkeren, van het blowen, het zuipen of allebei. Dat was al zo toen hij nog studeerde en dat is nog steeds zo nu hij vaak op tournee is. Niet dat hij nu geheelonthouder is, maar zijn schuldgevoel groeit.

Een boeiend onderwerp voor een boeiende rocksong. Er is nog één overeenkomst met Beethoven’s 9e. Ode To Joy 2 heeft ook een geweldig intro, een grof scheurende gitaar. Tempo en instrumentatie zijn verder bescheiden zodat de tekst goed verstaanbaar is. Het zwierige refrein lijkt – o ironie- gemaakt om lekker mee te lallen.

Ode To Joy 2 staat op Star Worship, album nummer 3 van de band uit Minneapolis dat de 26ste van deze maand uitkomt.